“CURRO DÍAZ” 

Nació en Córdoba en el barrio de La Magdalena, desde su infancia sintió la llamada del flamenco, influenciado por su contorno, comenzó aprendiendo a tocar la guitarra, arte que domina con gran maestría. Peo su verdadera vocación está dirigida a expresar todo sentimiento inspirado en su entorno a través de la expresión canora. “Cantaor de cante grande, flamenco en sus cuatro ramas”, es Curro Díaz”, artista de marcada personalidad, actitud que le ha llevado a conseguir los más destacados galardones, tales como el primer premio en el concurso de TVE Gente Joven, circunstancia que le ha llevado a participar en los más prestigiosos concursos en Andalucía obteniendo siempre los mayores galardones. 

Escalando de esta manera los primeros puestos. Siendo así invitado en todo el mundo a participar en los Festivales Flamencos de mayor tronío, acompañando siempre de las mayores figuras de género. Ejemplo del reconocimiento obtenido allende los mares, es el otorgado por la Asociación Nacional de Locutores de México, donde fue nombrado Embajador Honorario. 

También ha sido distinguido en Argentina, donde causó sensación. En el viejo continente ha actuado en Francia, Reino Unido, (Londres, invitado por la Comunidad Musulmana, interpretó pasajes del Corán por estilos flamencos, 1977) Holanda y la vecina Portugal. Siendo reconocido mundialmente por su estilo, inspiración y duende, así como por un completo dominio del compás. Está en de la Mención Especial den XI Concurso Nacional de Arte Flamenco de Córdoba, en el premio Manuel Reyes. 

Ha grabado 4 discos titulados: “Por Derecho” (apadrinado por Fosforito) En esta producción se dedicó a los cantes puros de Andalucía. “Amor a mi tierra”, (es un homenaje a Córdoba). “Por las venas”, en todos destaca su flamenquísima y grandilocuente voz. “El Cante de Curro Díaz” PREMIOS OBTENIDOS: Primer premio en el concurso de TVE Gente Joven, La Calahorra Flamenca, El Melón de Plata, El Melón de Oro, de Montalbán, Premio Rincón Flamenco y Premio Mirando a la Torre. Mención Especial den XI Concurso Nacional de Arte Flamenco de Córdoba, en el premio Manuel Reyes. A CANTADO CON ARTISTAS COMO: Fosforito, Camarón de la Isla, El Cabrero, Aurora Vargas, José Mercé, Curro de Utrera, Gabriel Moreno, El Turronero, José Menese, Juan Villar, Luis de Córdoba, Chano Lobato, El Chozas, El Pele, Naranjito de Triana, Chocolate, Carmen Linares, Pansequito, Curro Malena, José de la Tomasa, Rafael Ordóñez, Chaparro de Córdoba, SE HA DICHO DE ÉL: Manuel Serrano Frías, “Estudioso de los diferente cantes, desde 1968, se dedica plena y continuamente a defender el puesto de privilegio, que con mucho tesón, viene defendiendo durante muchos años. 

Dentro de los clásicos del cante, con recreaciones personales, “Curro Díaz”, borda el cante por BAMBERA, MARIANAS, TIENTOS, GRANAINAS Y MALAGUEÑAS. Sin olvidar COLOMBINAS, BULERÍAS, ZAMBRAS, y en definitiva, todos los palos del flamenco, con profundos sentimientos llenos de solera Andaluza. Es conocido por su arte, en España, y parte del mundo donde sólo ha saboreado éxitos. “Este hombre consagrado por al cante se rompe en sonidos de honra y de verdad” (Leonardo Rodríguez) “¡ Qué cosa más bonita es la de ver triunfar a un cantaor que está en ese momento en que se apuesta por el!, Si las malagueñas del Mellizo y de la Trini fueron para él cante de preparación, en los tientos y tangos, encontró su flamenquísima voz la plenitud. 

Hablamos de Curro Días en Priego de Córdoba, con la boca llena y la alegría de quien gana una apuesta. Una soca está clara: Curro Díaz se crece y se supera a si mismo en los momentos de mayor compromiso y responsabilidad. (Agustín Gómez, en La voz flamenca el 27 de Agosto de 1982 “La voz de Curro, es una voz flamenca por antonomasia, es una voz de ricos matices, en la que se armonizan el poderío y la modulación. Es la voz que arranca jirones al alma, la voz que quema la garganta y siembra con sus timbradas notas el infinito espacio, de las tragedias y alegrías, los sentires y pensamientos de los pueblos de Andalucía. 

Es Curro un cantaor caracolero, que aunque tiene su propia impronta, se deja a veces influenciar por el cante del inolvidable Caracol, aunque de un tiempo a esta parte, su afán de ser figura en el mundo del flamenco, con lo que su estilo personal se ha enriquecido y mejorado notablemente. Con extraordinaria habilidad ha sabido coordinar la novedad con la tradición y creado algunas formas de expresión con un alto valor melódico, como es el caso de los cantes de la trilla, que los remata enlazándolos con la seguiriya, que son dignos de escuchar por la belleza, que apareados, encierran estos dos cantes tan dispares. 

Esta valentía en la creación, rompiendo con estatismo de los moldes encasillados, de los llamados cánones, es un ejemplo a seguir. José Capdevilla Orozco. En su estilo, existe una gran abundancia de inspiración, un atractivo poderoso, quejas, estallidos, pellizcos, etc, una “cosa”, que se entiende y no se explica; y todo armonizado por un completo dominio del compás. Curro Díaz demostró que está pasado de compás, y por seguiriya electriza al oyente. Fue tan profunda su actuación, que pocos de los llamados “grandes” pueden mejorar. (Sede de la Solera Flamenca, Melilla) J osé Ramón Zapata Había que remontarse a muchos años atrás para recordar una actuación como la que nos brindó Curro Díaz. 

La grandeza de este artista fue marcada por los incansables aplausos de un público entregado por el derroche de fuerza y arte que el cordobés puso sobre el escenario. (Actuación en el Centro Cultual García Lorca). José Ramón Zapata Imprimió tal solemnidad a todo lo que cantó que exprimió hasta la última gota que lleva dentro. La magia del compás conectó rápidamente con el respetable, que viendo la entrega de Curro y la perfección de todos sus cantes, no escatimó esfuerzos para corear con olés su buen hacer. 

Durante casi dos horas Curro Díaz estuvo sobre el escenario. Cantó tientos, farruca, solea, romances, fandangos, malagueña, bulerías, granaina y media, colombianas, seguiriya y cantes de trillas, en medio de una de las mayores ovaciones que se han escuchado por estos pagos en lo últimos tiempos. ACTUALMENTE: Actualmente Curro Díaz está en toda su plenitud artística, como lo mostró en el “I FESTIVAL FLAMENCO DE CÓRDOBA RINCÓN DEL CANTE,” el 15 de mayo de 2009, en el que triunfó, haciendo vibrar al público asistente en la Plaza de la Corredera de Córdoba, todos los presentes pudieron disfrutar de su potencial flamenco, y se espera con anhelo que salga a la luz su último disco, en el cuál está poniendo todo su corazón y profesionalidad. 

En definitiva, tenemos el privilegio de tener entre nosotros a un gran artista, que con el paso de los años, está en toda su frescura flamenca, y que todo aquel que disfruta de su arte queda con un grato recuerdo de haber saboreado flamenco puro de verdad

Por Francisco Bravo Anribón

 

Rafael Botí

Rafael Botí Gaitán (Córdoba, 8 de agosto de 1900-Madrid, 4 de enero de 1995) fue un músico y pintor español.​

Biografía

Hijo de Santiago Botí Company, natural de Alcoy (Alicante), músico del Centro Filarmónico de Córdoba y de la Orquesta Sinfónica de Madrid, y de Margarita Gaitán Gavilán, nacida en El Carpio (Córdoba), nació el 8 de agosto de 1900 en la capital cordobesa. Desde 1909 hasta 1916 estudió dibujo con Julio Romero de Torres e Historia del Arte en la Escuela de Artes y Oficios de Córdoba. Estudió música en el Conservatorio de Córdoba. A los 17 años se trasladó a Madrid e ingresa en el conservatorio madrileño para seguir sus estudios musicales. En 1919 ingresó, mediante oposición, en la Orquesta Filarmónica de Madrid como profesor de viola, y en 1930 pasó a la Orquesta Nacional de España.

Agrupación de Artistas Plásticos

Desde 1918 asiste como discípulo al taller de Daniel Vázquez Díaz, junto a Pablo Zelaya, Miguel Rodríguez Acosta, Jesús Olasagasti, Díaz Caneja, Cristino de Vera, Rafael Canogar o José Caballero. Su primera exposición individual se celebra en Córdoba en 1923, en el Círculo de la Amistad. Entre 1929 y 1931 viajó a París para ampliar estudios de pintura, pensionado por la Diputación de Córdoba. En 1931 fundó, junto a otros artistas como Emiliano Barral, Winthuysen, Planes, Moreno Villa, Castedo, Souto, Climent, Díaz Yepes, Pérez Mateos, Rodríguez Luna, Santa Cruz, Isaías Díaz, Pelegrín, Servando del Pilar o Francisco Mateos, la «Agrupación Gremial de Artistas Plásticos», que lanzó un manifiesto vanguardista el 29 de abril de 1931, pocos días después de la proclamación de la II República. El manifiesto, dirigido a los jóvenes artistas, propugnaba la renovación completa de la vida artística española.

Guerra Civil

La Guerra Civil interrumpió la obra de Rafael Botí. Durante los primeros días del conflicto, su casa de Madrid es destruida en un bombardeo. El pintor se desplaza con su familia a Manzanares (Ciudad Real, donde ejerce durante los tres años de contienda como profesor de Dibujo y bibliotecario en el Instituto de Segunda Enseñanza. Terminada la Guerra, regresa a Madrid, aunque su actividad creativa no se reinicia hasta 1947.

Con motivo del 20º aniversario del fallecimiento de Rafael Botí, la sala Prado 19 del Ateneo de Madrid acogió una exposición de sus obras más significativas.​

Reconocimientos

En 1979 el Ayuntamiento de Córdoba le nombró Hijo Predilecto de la Ciudad y le concedió la Medalla de Oro de Córdoba, y la Real Academia de Córdoba le nombró académico correspondiente. En 1980 el Ministerio de Cultura le concedió la Medalla de Plata al Mérito en las Bellas Artes. Tras su muerte, en 1998, la Diputación de Córdoba constituyó la Fundación Provincial Artes Plásticas Rafael Botí y el Centro de Arte Rafael Botí (2015).​

Poseen obras suyas los Museos de Bellas Artes de Córdoba, Sevilla y Bilbao, el Museo de Jaén,​ el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, la Real Academia de Córdoba, la Alcaldía y la Diputación de Córdoba, y el Museo de Arte Contemporáneo de Madrid.

 La obra personal del Escultor Marco Augusto Dueñas en Estepona (Málaga)

Inauguración Equilibrio obra del escultor Marco Augusto Dueñas junto al Alcalde de Estepona, José María García. Mirador El Carmen.

El alcalde de Estepona, José María García Urbano, ha inaugurado este sábado día 2 de diciembre del 2023, la obra Equilibrio del escultor cordobés Marco Augusto Dueñas Cepas (Córdoba, 1971), en el entorno del Centro Sociocultural El Carmen frente al mar.

Equilibrio, detalle.

Esta obra pertenece a la colección personal del escultor. Durante toda su vida ha realizado innumerables obras escultóricas por todo el mundo, destacando tres obras en la Basílica de San Pedro El Vaticano en Roma, catorce esculturas en Catedral La Almudena en Madrid, esculturas en Miami, Libano, Medio Oriente, siendo siempre encargos.

El escultor cordobés nos comenta "He tenido necesidad de realizar mi propia obra, creando Equilibrio, donde materializo el aire y el hombre en la unión con la naturaleza".

Equilibrio en el Mirador El Carmen, Estepona.

Estepona suma esta obra "Equilibrio" a su patrimonio artístico al aire libre en el paseo del entorno al Centro SocioCultural Mirador El Carmen. Está elaborada en bronce frío, es un material muy innovador, según ha explicado en la inauguración el artista.

El escultor Marco Augusto Dueñas ha declarado "que cualquier obra suya que la gente lo aprecie y la tome como suya, para mí es siempre un orgullo".

Escultor junto al Alcade de Estepona, José María García.

Esta obra ha estado expuesta en las ciudades italianas de Siena y Pietrasanta, y ahora se integra en el patrimonio artístico de Estepona.

La Ruta de las Esculturas de Estepona se amplía con una nueva obra en los jardines del Mirador El Carmen.

Biografía

Marco Augusto Dueñas, nacido en Córdoba (España), es un escultor de mármol de renombre mundial reconocido por su versatilidad artística única para crear obras de arte icónicas y atemporales.

Dueñas es el único escultor vivo que tiene sus obras junto a las de Miguel Ángel Buonarroti en la iglesia de la Basílica de San Pedro del Vaticano, y es el artista más joven en crear tres estatuas de mármol: La primera de ellas fue una representación de Santa Raffaella Maria, fundadora de la Congregación del Sagrado Corazón de Jesús, de 5,40 metros de altura en 2010, mientras que la segunda llegó un año más tarde, una estatua de seis metros de altura del fundador de la Iglesia Maronita Libanesa, San Marón. Ambas imágenes fueron bendecidas por el Papa Benedicto XVI. La tercera obra, realizada con motivo del centenario del nacimiento de Karol Jozef Wojtyla, tratándose en un relieve en mármol de carrara en un diámetro de 80 cm, que fue bendecido por el cardenal Konrad Krajewski que representa a San Juan Pablo II.

Dueñas esculpe piezas que simpatizan con la historia de su oficio y que también hablan a la mente contemporánea. Sus obras encargadas residen en colecciones públicas y privadas de todo el mundo, desde aspirantes a coleccionistas, catedrales y monarquías, en Estados Unidos, Líbano, México, Argentina, Japón, Reino Unido y muchos más países.

 Inaugurada la exposición de

CAROLINA SANCHEZ DE PUERTA

Desde el 1 de diciembre estara abierta al público la exposición de Carolina en la galería del Bulevar en la calle Boulevard Hernán Ruiz número tres. Un conjunto de 13 cuadros a oleo componen esta esperada muestra con un estilo muy personal.

La artista cordobesa Carolina Sánchez de Puerta expuso en la Galería Studio 52 su primera muestra individual. Esta se componía de 17 óleos de creación reciente, excepto el cuadro Puente Romano , de 2002, que ha participado en los Premios Fivars 2007. Carolina Sánchez de Puerta, fue presentada en su primera muestra por su maestro y padre, Juan Cantabrana.

Tras 9 años de estancia en Valencia, Carolina Sánchez de Puerta lleva viviendo algunos años en su Córdoba natal, ciudad de la que retrata paisajes al natural. Es en Córdoba donde, según indicó Jesús Jiménez, dueño de la Galería Studio 52, "la artista empieza a alcanzar su madurez". Por su parte, Carolina Sánchez de Puerta piensa que, su obra, "es una búsqueda constante de la luz y el color, y del contrate de las sombras". Además piensa, que al pintar en la calle y al natural, en su visible estilo impresionista, "se distinguen mejor las zonas de sol, la gama de iris calientes con zonas de sombras también calientes".

Carolina se siente orgullosa de haber tenido un maestro desde pequeña, se refiere su padre Juan Cantabrana , que desde muy pequeña la enseñó a jugar con las pinturas y pinceles en sus sus primera enseñanzas hasta que aterrizó en Valencia donde aprendió y perfeccionó la técnica de los pintores valencianos. En este sentido se refería en su exposición al estilo impresionista basado en Monet y Sorolla , principalmente, que fueron su auténtica guía.

Su pintura se caracteriza por materializada al natural allí, en el mismo ambiente donde se desarrolla el cuadro, comparando el paisaje con lo que pinta. Caballete a cuestas, anda por la historia de la calle y los paisajes de Córdoba, provincia y Andalucía, planeando su obra en el lienzo de una forma muy particular . Va a la playa a pintar un paisaje marino con sombrilla, caballete y el resto de los aperos para poder pintar y decía que “ Es muy fácil que todo es querer y luego poder no es igual pintar al natural como de una fotografía en algunos casos, como trabajan algunos pintores. Yo quiero comparar lo que veo con lo que pinto, al natural..”

A la pregunta de que por qué en sus cuadros no se ve el color negro, no refería que el negro existe para ella por sus cuadros, son todo luz.

Carolina se siente orgullosa de hacer con su nieta, lo que su padre hizo con ella, enseñarla a pelearse con los trastes de matar o pinceles y acuarela. Todas las tardes se sienta con una chica de apenas cuatro años, “le enseño a luchar a mezclar, hablarle, a comprender como mezclando los colores, y llevándolos, a un papel se consigue un resultado deseado. Son momentos que disfruto y me recuerda mi niñez”

Le preguntaba que si se sentía en condiciones de poder corregir alguna cosa a los cuadros de su padre, y me contestó que no. Juan Cantabrana es un nivel muy superior yo todavía estoy aprendiendo me queda mucho que la mar y a mi padre no lo podré corregir nunca. Juan Cantabrana es un genio”, finalizaba.

A la pregunta de si la próxima exposición estaría en una sala de primera de segundo de tercera, no contestaba “ me da igual me sale de segunda de tercera o de primera yo no tengo miedo a nada. Todo vendrá en su momento. Yo estoy preparada para todo”

Finalizaba, agradeciendo a Alfonso, propietario del bar, la galería, la buena disposición que ha tenido con su obra en un lugar no grande, quizá reducido, pero adecuado y suficiente para exponer esta parte de su obra a todos los visitantes cordobeses”

Gracias Carolina, por tu obra, tu esfuerzo, tu entrega y amor a la pintura.

Por: Antonio Cañadillas

  TERTULIA PLAZA DE           SAN NICOLAS

Hoy nos hemos reunido entorno a la Escuela De Artes Aplicadas y Oficios Artísticos Mateo Inurria porque en la sala de exposiciones de esta escuela ha expuesto nuestra compañera de Tertulia y amiga Rita

En su catálogo de la pintora, RITA RUTKOWSKI

Juana Castro dice que “Forma ya parte del paisaje y de nuestras vivencias. Córdoba no estaría completa sin ella, que vino desde Nueva York pasando por Italia, con sangre polaca y ojos que se abrieron en las luces de Londres.

No podemos renunciar a Rita. Desde que llegó, en los años 50, su mirada nos acompaña y nos ha enriquecido. Córdoba es menos provinciana gracias a ella. Como si nos hubiera hecho recorrer más deprisa el espacio, además de los tiempos, para decirnos en sus telas y en sus tablas que el mundo es múltiple y la visión diversa. Que todo está todavía por decir.

No fue fácil esta Córdoba nuestra que eligió para quedarse. Llegó ya con figura y vocación de artista, y ahora lo sabemos, después de su trayectoria, que es una clásica contemporánea. “¿Te vas a pasar toda la vida leyendo cuentos de hadas?”, le dijo su padre cuando tenía doce años. Y entonces se plantó en la biblioteca, y de un trago se leyó a Dostoyevski. Luego, todo Kafka.

A Rita la conocimos en los años 70, y el tiempo nos la ha hecho cercana y entrañable. Adelantada a la experimentación, participante en la actividad social más vanguardista y testigo de todas las apuestas. ”

Miguel Clementson Lope, Director EASD Mateo Inurria, de Córdoba opina que la artista neoyorquina Rita Rutkowski expone a título individual sus trabajos en la Sala Mateo Inurria, “un espacio plástico que ha sido desde siempre especialmente grato a esta creadora, pues en él ha podido dar despliegue en absoluta libertad a sus particulares posicionamientos programáticos, al tiempo que ha podido difundir entre los jóvenes artistas —aún en gestación— los fundamentos ideológicos y estéticos que en cada caso han dado nuclear sentido a todas y cada una de sus siempre admirables y vivificantes composiciones.

Nacida en Londres, de padres polacos que en 1933 —contando Rita con apenas un año de edad— emigraron a Nueva York, metrópoli donde dará desarrollo a su formación artística, que se secuenciaría con reconocido aprovechamiento por su parte en el Liceo Washington Irving y en la Cooper Union, institución que aplicaba los métodos y conceptos desarrollados por la Bauhaus, bebiendo de las fuentes de la generación beat norteamericana y de los artistas más significativos del expresionismo abstracto que, junto a Francis Bacon, ejercieron una clara influencia en su pintura. Trasladada más adelante a Córdoba, donde se asentó con apenas veintisiete años y ha transcurrido la mayor parte de su biografía, sus recursos y referencias creacionales han permanecido no obstante poderosamente estigmatizados por la presencia vivífica de la ciudad de los rascacielos, donde había gestado los precisos apoyos teoréticos y dado desarrollo a las necesarias experiencias formativas durante su infancia y juventud, de suerte que quedaron ya allí definidos los cimientos de su concepto estético, a cuya fuente exuberante acude periódicamente para armonizar tanto la esencialidad cromática de sus composiciones como el conciso y minucioso andamiaje estructural de la mayoría de sus trabajos.

La obra de Rita Rutkowski se fundamenta siempre en premisas constitutivas esenciales: con un leve y referencial asiento figurativo dialoga con el espectador a través de la forma en su pureza más extrema; seguidamente, sumerge estas estructuras en una atmósfera genuina, tan personal y exquisita que sólo cabe rendir cabal asombro y justa pleitesía ante el poder enigmático y persuasivo de sus delicadas tonalidades.

Lo que realmente preocupa a Rita es plasmar lo que ha de constituir la auténtica esencia de la obra final, lo que hay de intangible en cada una de estas improntas aprehendidas: la recreación de la atmósfera, la plena representación del aire o de un soplo de viento, la cadencia de los sonidos, el olor que satura ese espacio… toda una síntesis de valoraciones sensitivas que impactan y penetran en el espectador a través de su retina, y lo documentan acerca de las capacidades valorativas, cognoscitivas y espirituales de la artista.

La práctica de la pintura ha supuesto para Rita una auténtica panorámica existencial rigurosamente biográfica, que nos documenta puntualmente acerca de una progresión estética gestada como síntesis objetivadas de vivencias creativas, manifiestas desde un impulso generador de carácter evolutivo. En otros casos, el afán de búsqueda es quien dirige el pulso compositivo de las obras.

El proceso en sí se constituye en guía y en fin, y es la propia pintura la que marca la pauta a seguir, de manera que, a veces, una línea o una simple mancha es la que sugiere el camino por el que adentrarse en la búsqueda de nuevos campos de expresión. La artista se introduce en una senda por la que nunca ha deambulado y encuentra un mundo fascinante, ajeno a sí mismo, extraño en este caso a sus propios acontecimientos vitales”.

Finaliza Miguel Carlos en su espacio dedicado a Rita que, “opina que lo importante en el arte son las ideas y mientras haya ideas en su cabeza éstas irán tomando forma sobre el soporte pictórico, de tal manera que una obra conduce a otra obra, y ésta a otra, como una concatenación de pensamientos —a train ofthoughts—. Es la obra quien decide cuándo ha de ponerse fin a una línea argumental, siendo ésta la que empuja hacia adelante a la artista. Al margen de este vórtice succionador que determina un puntual programa sobre su dinámica de trabajo, paseando por la calle o incluso durmiendo eclosionan flashes de ideas de manera constante.

En pintura, más si cabe que en la propia vida, lo que realmente apasiona son los medios; el fin, en rigor, casi no debería importar al artista, porque es el momento en que el cuadro se escapa de su dominio, pasando entonces a constituirse en objeto susceptible de ser visualizado y valorado por los demás, por la sociedad expectante”.

Y es que Rita como la mayoría de los buenos pintores abstractos conjugan el pincel, la pintura y la poesía en un solo sentido, la vida.

Hoy estuve intentando recoger la manifestaciones de ella sobre cada cuadro, para intentar publicar un artículo de la exposición en la revista Tertulia próxima salir y veo una gran dificultad. Tantas cosas ha manifestado, ha dicho, ha comentado y ha suspirado al ver y explicar su obra que no sé si habría espacio suficiente para transcribir todas sus respuestas. Lo intentaremos.

De todas maneras, les recomiendo acudir a la Escuela Mateo Inurria en plaza de la Trinidad para contemplar esta exposición sencilla, moderna y profunda. Y llena de poesía.

Por: Antnio Cañadillas